Ángel Ganivet (Granada,1865- Riga, 1898)

CUBISMO

Antecedentes: pinturas del último período de Cézanne: tonos cálidos(ocres, beiges, anaranjados)/ tonos fríos (azul , verde, gris)


El cubismo propiamente dicho empieza en 1907 en París con Picasso: Las señoritas de Avignon



1ª etapa del cubismo: naturaleza muerta. Color restringido.

Georges Braque: otro iniciador del cubismo: Casas en el estanque

"Braque's works from the period 1917-20 are derived compositionally from synthetic cubism, the second phase of cubism, which began about 1914. Much flatter and more variegated in color, they include brightly dotted decorative passages. Around 1930-31, Braque moved to the coast of Normandy in France. As a result, he changed the subjects of his paintings; bathers, beach scenes, and seascapes were now his favorite themes. Stylistically, he became increasingly interested in ornamentation and patterned surfaces. During the late 1930s and early '40s, Braque was drawn to melancholy themes. From 1945, birds were a dominant subject. Braque's canvases done during the 1950s show a return to the brilliant colors of the Fauve period, as in the Louvre ceiling (1952-53) and the decoration for the villa at Saint Paul-de-Vence (1954). Active until the end of his life, Braque produced an oeuvre that includes sculpture, graphics, book illustration, and decorative art.

Georges Braque was the only artist ever to collaborate with Picasso as an equal. He admitted that they were "like climbers roped together, each pulling the other up". From 1907 they worked so closely together, exploring the planes and facets of the same subject matter, that some of their work appears almost identical. Although they developed their own natural autonomy as artists, they carried Cubism to another level that was brighter and more legible.

By 1929 however their innate differences were quite clear, for the two had long since parted ways. They had parted in 1914, for at the outbreak of WWI Braque entered the army as an infantry sergeant and served with distinction, being decorated twice in 1914 for bravery. In 1915 he suffered a serious head wound, which was followed by a trepanation, several months in the hospital, and a long period of convalescence at home at Sorgues. During this period he added to the sayings he had been in the habit of scribbling on the margins of drawings, and in 1917 he published a collection of these sayings called "Thoughts and Reflections on Painting."

New means, new subjects. . . . The aim is not to



reconstitute an anecdotal fact, but to constitute a



pictorial fact. . . . To work from nature is to

improvise. . . .



The senses deform, the mind forms. . . 



I love the rule that corrects emotion.



.

Cubismo Analítico (1910-1912): los elementos plasmados en el cuadro se descomponen en diversas formas geométeicas , superponiéndose de tal modo que resulta imposible identificar de qué se trata.




Picasso: Chica con mandolina                                  Picasso: retrato de Ambroise Vollard

Las investigaciones llevadas a cabo por Picasso y Braque fueron durante la época de 1909 a 1911, paralelas. En bastantes ocasiones estos dos artistas trabajaron juntos y a los dos se les debe uno de los hallazgos más importantes del arte del siglo XX: el collage. El hecho de integrar materiales diferentes en el seno de composicionescubistas determinó, en parte, que tanto Picasso como Braque optaran por cambiar el proceso analítico del cubismo inicial por otro de carácter sintético. CUBISMO SINTÉTICO: las pinturas, a pesar de presentar una composición claramente geométrica, permitiían que el espectador percibiera con facilidad una forma global identificable. El color toma gran importancia en las formas ya que éstas aparecen más grandes y decoradas. Contrastes entre diferentes texturas (a menudo con el collage)

Juan Gris: 1911 desarrolla un lenguaje propio

Fernand Léger- elementos con formas cilíndricas. etapa "mecanicista". Color: gris, blanco, contrastando con primarios. Apariencia metálica.

Cubismo ortodoxo:

Marcel Duchamp

Jacques Villon

Raymond Duchamp-Villon

Albert Gleizes

Jean Metzinger

André Lhote

Cubismo en la escultura:

Alexander Archipenko (técnica del assemblage) madera policromada

Constantin Brancusi - configuraciones de tipo ovoideo

ELLEN GALLAGHER (Born: December 16, 1965)

Gallagher was born on December 16, 1965 in Providence, Rhode Island. Referred to as African American,^[3] she is of biracial ethnicity; her father's heritage was from Cape Verde, in Western Africa (but he was born in the United States), and her mother's background was Caucasian Irish Catholic.^[4]

Gallagher studied writing at Oberlin College in Ohio^[4] (1982–84). Then she attended Studio 70 in Fort Thomas, Kentucky in 1989^[5] before earning a degree in fine arts from theSchool of the Museum of Fine Arts in Boston in 1992.^[4] Her art education further continued in 1993 at the Skowhegan School of Painting and Sculpture in Maine.

Ellen Gallagher. DeLuxe. 2004–05. Portfolio of 60 photogravure, etching, aquatint, and drypoints with lithography, screenprint, embossing, tattoo-machine engraving, laser cutting, and chine collé; and additions of plasticine, paper collage, enamel, varnish, gouache, pencil, oil, polymer, watercolor, pomade, velvet, glitter, crystals, foil paper, gold leaf, toy eyeballs, and imitation ice cubes, overall: 84 x 167" (213.4 x 424.2 cm); each: 13 x 10 1/2" (33 x 26.7 cm). Acquired through the generosity of The Friends of Education of The Museum of Modern Art and The Speyer Family Foundation, Inc. with additional support from the General Print Fund. © 2016 Ellen Gallagher and Two Palms Press

Biting, humorous, and poignant, Ellen Gallagher’s DeLuxe is a deft commentary on race, racism, and identity, especially African and African American identity. To make this work, the artist drew from her collection of vintage magazines geared towards black audiences, including Sepia, Our World, and Ebony. She isolated 60 pages from these publications, focusing largely on advertisements for cosmetic products ranging from wigs to acne treatments to skin-bleaching creams. Using historical and contemporary printmaking techniques and a riot of materials—like velvet, toy ice cubes, and googly eyes—she altered the pages, emphasizing the messages of beauty, success, and self-worth they convey. She then individually framed the pages and arranged them into a grid, brimming with materials and detailed imagery. Gallagher has described this piece as being “about identity in the most open sense of that word. No matter how uniform or how altered, it just refuses to be stamped out.”

Gallagher juega a transformar imágenes extraídas de ámbitos distintos como la literatura, la música, la ciencia ficción, la publicidad y la historia natural, como en el caso de la serie  wig-map grid collages, doppia Naturale, POMPA-Bang, yeXelento, donde la artista se adueña de la publicidad de productos de belleza de las revistas Ebony, Our World y Black Stars, todas publicidades que han favorecido una belleza negra a través del uso de pelucas y arreglos varios que la artistas ha recontextualizado creando collage con elementos afros y plastilina.
Gallagher comenta a propósito de esta serie: 'Las señoras con peluca son fugitivas, conscriptas con peluca provenientes de otra época, liberadas de las revistas "racistas" del pasado. Una vez más, las he transformado, aquí, sobre las mismas páginas que una vez las tenían prisioneras".

RINEKE DIJKSTRA.

Known for her psychologically rich portraits, Rineke Dijkstra was photographing Bosnian refugee children at an asylum center in the Netherlands, where she encountered and photographed six-year-old Almerisa Sehric. Revisiting this photograph two years later, Dijkstra was struck by its power. She sought out Almerisa and her family, who were by then living in their own apartment. And so began a sustained portrait series, for which Dijkstra photographs Almerisa every two years. “What you see in this series is…how she develops from a child from a foreign country into a Dutch young woman,” describes Dijkstra. “The chair represents my life […],” says Almerisa, referring to the increasingly solid chairs in which she is seated in every picture. “When I came to the Netherlands it was…unstable like the plastic chair, and now I’m sitting on a wooden chair with more stability, with my feet on the ground and holding my first-born child.”

-MoMa 

Dijkstra concentrates on single portraits, and usually works in series, looking at groups such as adolescents, clubbers, and soldiers, from the Beach Portraits of 1992 and on, to the video installation Buzzclub/Mysteryworld (1996-1997), Tiergarten Series (1998-2000), Israeli soldiers (1999-2000), and the single-subject portraits in serial transition: Almerisa (1994-2005), Shany (2001-2003),Olivier (2000-2003), and Park Portraits (2005-2006).^[3] Her subjects are often shown standing, facing the camera, against a minimal background. This compositional style is perhaps most notable in her beach portraits, which generally feature one or more adolescents against a seascape.^[4] This style is again seen in her studies of women who have just given birth.

Dijkstra dates her artistic awakening to a 1991 self-portrait. Taken with a 4-by-5-inch camera after she had emerged from a swimming pool — therapy to recover from a bicycle accident — it presents her in a state of near-collapse.Commissioned by a Dutch newspaper to make photographs based on the notion of summertime, she then took photographs of adolescent bathers.^[6] This project resulted in Beach Portraits (1992–94), a series of full-length, nearly life-size color photographs of teenagers and slightly younger children taken at ocean’s edge in the United States, Poland, Britain, Ukraine, and Croatia. The series brought her to international prominence after it was exhibited in 1997 in the annual show of new photography at the Museum of Modern Art in New YorK,.in 1999, the museum showed Odessa, Ukraine, August 4, 1993, a color photograph of a teenage boy on a beach, next to Cézanne's Male Bather (1885-1887).

Dijkstra's works are held in numerous museum collections, including the Tate, London,;^[24] the Museum of Modern Art, New York.,^[25] the Metropolitan Museum of Art, New York; the Guggenheim Museum, New York; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo NY; the Los Angeles County Museum of Art; the Museum of Contemporary Art, Chicago; the Art Institute of Chicago; the San Francisco Museum of Modern Art; the Walker Art Center, Minneapolis; the Miami Art Museum; the Harn Museum of Art at the University of Florida, Gainesville; the Museum of Fine Arts, Boston; Museo Cantonale d'Arte of Lugano; the Art Museum, Princeton University, Princeton, N.J.; and the Baltimore Museum of Art.

-wikipedia

FRANZ MARC

Jean Bloé Niestle

Poaching cat - Jean Bloé Niestle


Sindelsdorf - Jean Bloé Niestlé 
Jean Bloé Niestle: Rehe in japanischer Landschaft 

Franz Marc: El padre del expresionismo alemán

 “Estoy tratado de intensificar mis sentimientos por el ritmo orgánico, alcanzar una empatía panteística con el palpitante y fluido torrente sanguíneo que vive en los árboles, los animales y el aire”

- Fanz Marc

1. Nació en Múnich. Era Hijo de Wilhelm Marc, un pintor profesional de paisajes, y de Sophie Maurice, una mujer educada en el calvinismo más estricto y que había sido institutriz. En la adolescencia Franz barajó estudiar teología y convertirse en pastor protestante, pero por otro lado era un amante de la literatura y la filosofía. Finalmente se decidió por seguir la trayectoria de su padre y se matriculó en 1900 en la escuela de arte de Múnich.

'El gorrión muerto' (1905)

2. Viajó con 23 años a París donde pasó unos meses. Los grabados japoneses que adquirió allí en una galería son una  primera influencia en su característico trabajo posterior. De los impresionistas, cuyo trabajo pudo ver en su viaje, escribió más tarde en 1912, en su ensayo sobre el arte Die Neue Malerei (La Nueva Pintura): “El período más memorable del desarrollo moderno del arte corresponde a los años noventa del siglo pasado, cuando el impresionismo francés se consumía por su propio fuego y reaccionó resurgiendo de sus cenizas como el ave Fénix, con una bandada de nuevas ideas, pájaros con plumas de colores y picos místicos”.

3. Trabó amistad con el pintor suizo Jean Bloé Niestlé, que retrataba animales con un sentido espiritual más que documental. Ese año pinta obras como Kleine Pferdestudie(Pequeño estudio de un caballo) o Der Tote Spatz (El gorrión muerto). Ambas son de 1905 y anuncian el comienzo de su rápida evolución pictórica. Son obras de tono clásico, pero el pintor ya utiliza animales como medio para expresar sus ideas poéticas, conmovido por las teorías de Niestle.

'Perro tumbado en la nieve' (1910-11)

4. Unos años después ya sentía la naturaleza como cordón umbilical: “Estoy tratado de intensificar mis sentimientos por el ritmo orgánico, alcanzar una empatía panteística con el palpitante y fluido torrente sanguíneo que vive en los árboles, los animales y el aire”, escribió en 1908 a un amigo.

5. Hasta 1910 -con 30 años- no comienza a crear obras en su característico estilo. Ese año conoce a su gran amigo el pintor August Macke (1887-1914), más joven pero mejor formado, con el que Marc comenzó a tener conversaciones de tono intelectual sobre las teorías del color y la pintura. Llevado por la idea de Niestlé de que el detallismo zoológico es secundario, Marc pinta a sus animales con colores cada vez más libres: una vaca amarilla, los célebres caballos azules a los que dedicó varios cuadros…

'Dos caballos, rojo y azul' (1912)

6. Fundó, junto al pintor Wassily Kandinsky, Der Blaue Reiter (El jinete azul), un grupo artístico de creadores que compartían en sus obras la expresión de fuertes emociones y sentimientosmediante colores vivos. Aunque efímero, el grupo transformó de 1911 a 1913 la trayectoria del expresionismo, una de las vanguardias más importantes del siglo XX.  Organizaron dos exposiciones y publicaron su famoso Almanaque, un libro con escritos y pinturas de Marc, Kandinsky, Jawlensky y Macke entre otros.

7. Apenas tenía 33 años y no pintaba dos cuadros seguidos sin caminar hacia la abstracción, como intentando sintetizar el imaginario animal con una fuerza espiritual que ya no se contentaba con las formas tradicionales. En sus últimos años de vida se dejó seducir por el trabajo de los futuristas italianos y por Robert Delaunay (1885-1947), un pintor que pasó del cubismo al orfismo, el estilo creado a partir del cubismo basado en las formas circulares y brillantes.

'Tigre' (1912)

8. Empezó a componer sus cuadros de modo geométrico, con predominancia de formas rectangulares. Los animales ya no tenían una forma natural y parecían construídos. Su serieCompositions es el claro ejemplo del desinterés de Marc por las formas.

9. Él y su mujer, Maria, encontraron una casa en Ried, cerda de Benediktbeuren, un idílico pueblo de Baviera. Intercambiaron la propiedad con los dueños, interesados en la vivienda que el pintor había heredado de sus padres y que tenía en Munich. Marc se hizo con la casa de campo e incluso pudo comprar unas tierras en las que tuvo ciervos. En esa casa Marc planeaba construir su estudio y trabajar en el 2º volumen de El Jinete Azul.

10. En Ried pintó los cuadros Formas Felices (destruído en la II Guerra Mundial), Formas jugando, Formas peleando y Formas rotas. Las obras muestran el terrible conflicto interno que se empezó a gestar en esos años en el pintor.  Oscilaba entre la parte positiva de la vida y la sombra de la destrucción: vivía en el idilio de Ried, pero con la sombra de la I Guerra Mundial (la Gran Guerra) que además él creía necesaria.

'Zorros' (1913)

11. El 1 de agosto de 1914 El Imperio alemán declaró la guerra a Rusia. La reacción general de los artistas era de rechazo al conflicto, pero Marc y su amigo Macke (siete años más joven que él)  se alistaron, como tantos otros alemanes, de modo voluntario. En lo que se conoce ahora como elEspíritu de 1914, El furor del patriotismo y la unidad política y social que causó la noticia de la guerra fue notable en el país. El Kaiser Guillermo IIbarría hábilmente  con ese sentimiento nacionalista las oposiciones y descontentos que se estaban generando en torno a él. Marc mordió el anzuelo.

12. Poco antes Kandinsky le había escrito una carta expresando su miedo por un posible conflicto armado. Marc se mostraba firme y apasionado e idealista: creía que Europa estaba espiritualmente enferma y que una guerra, a pesar del derramamiento de sangre, era una manera de purificación. No sospechaba de intereses económicos, para él era “una guerra contra el enemigo interior e invisible del espíritu europeo”. Creía que Alemania saldría reforzada y que su hegemonía sería entonces indiscutible. Ni la muerte de Macke en 1914 -por la que sufrió profundamente- lo hizo cambiar de opinión. “Nos damos la mano y soportamos la pérdida con orgullo, bajo el repicar de la victoria”, decía en el obituario de su amigo.

'Formas luchando' (1914)

13. En el campo de batalla sus pensamientos giraban en torno al arte. Comparaba los pueblos franceses por los que pasaba con escenarios de las pinturas de Van Gogh. También pensaba constantemente en Ried, en la casa y en los ciervos. Daba instrucciones sobre cómo alimentarlos y cuidarlos y lamentó profundamente la muerte de uno de ellos.

14. Un año después de alistarse, con el fervor del inicio un poco más apagado, su visión de la guerra cambió. En una de las cartas que escribió a Lisbeth, la viuda de Macke, describía la guerra como “la trampa más cruel en la que nos hemos abandonado los hombres”. El engaño y la inutilidad del conflicto comenzaron a ser los temas de sus cartas en 1916, a pocas semanas de morir.

15. Le comunicaron que lo mandarían a casa pronto. El gobierno alemán lo había identificado como artista notable y quería protegerlo. La seguridad del hogar aparecía en su mente “con un aura tan dulce que no puedo describirla” y lo consolaban de las“terroríficas escenas de destrucción en las que vivo ahora”. El mismo día del anuncio de su posible vuelta Franz Marc murió de modo instantáneo en una labor de reconocimiento en la batalla de Verdún, por el impacto de una esquirla en la cabeza.

Helena Celdrán