Martin Hill: Environmental artist

Andy Goldsworthy: Land Art

Ana Mendieta. Artículo de la revista art-madrid.com

Dedicamos en su día nuestra noticia a la exposición de Carl André en la Casa Velazquez de Madrid y, en justicia, tenemos que dedicar otro día a la que fue su esposa Ana Mendieta, una artista rodeada de espíritus, de sombras y de misterio hasta su muerte. Miles de voces en todo el mundo reclaman desde hace tiempo: ¿Dónde está Ana Mendieta?

“Silenciada”, si hubiera que encontrar un adjetivo para describir la obra de la artista cubana Ana Mendieta (La Habana, 1948 - Nueva York, 1985) ése sería “silenciada”, un adjetivo sangrante en medio de otros muchos como reivindicativa, espiritual, eco-feminista, incómoda, filosófica, profunda, desgarradora, personal… pero silenciada al fin y al cabo.

La vida de Ana Mendieta acabó de manera precipitada un 8 de septiembre de 1985 cuando su cuerpo cayó a plomo desde la terraza de su apartamento, en el piso 34 de un edificio en el Greenwich Village neoyorkino. No hubo un solo testigo de cómo pudo suceder el “accidente”. Bueno, sólo uno, el que era su marido desde hacía 8 meses, el escultor Carl André.

Según los testimonios de los vecinos, se oyó una fuerte discusión entre la pareja, se oyeron golpes, muebles movidos, llantos y gritos, el último un largo y descarnado “¡Noooo!” de la mujer que caía al vacío, de Ana Mendieta. Las pruebas, los arañazos en la cara y en los brazos, las contradicciones y la frialdad en la narración de los hechos apuntaban a André, pero la justicia lo absolvió 3 años después, tras una campaña de apoyo de todo el mundo del arte que resolvió que se trató de un accidente doméstico en el que fué determinante la salud mental de Ana Mendieta, según alegó el abogado de su marido, una salud mental debilitada, extrema y con tendencias suicidas.

Nada más lejos de la realidad. Ana Mendieta era una superviviente, una nómada, una exiliada de Cuba, criada junto a sus hermanas entre el trabajo y los estudios universitarios, y el trabajo y sus investigaciones personales acerca de conceptos universales como la libertad, los derechos civiles, lo fronterizo, el género, la ecología, la espiritualidad, el imperialismo,... Mendieta usaba su propio cuerpo como territorio de experimentación, su propia “identidad fronteriza” - como la han llamado sus estudiosos - como canal de expresión artística y relacionaba ambos con la naturaleza salvaje como seña de identidad de su obra.

Fué la escritora Jane Blocker la que se preguntó directamente, en 1999, ¿Quién es Ana mendieta?, en su libro Where Is Ana Mendieta?: Identity, Performativity and Exile, un ensayo sobre la obra de la cubana y sobre su vida, en el que asegura que  “la obsesión que Mendieta tenía con la idea del exilio como parte de su identidad estaba relacionada más con uno de los peligros que todos enfrentamos en la sociedad contemporánea, el hecho de ser ‘ciudadanos fronterizos’”. Ese limbo, ese no-ser se evidencia en las series de siluetas en la tierra que la artista realizó en México, en la que su cuerpo desnudo se funde en el barro y en el agua hasta casi desaparecer, cubierto de ramas y flores, en un género creado por ella que se llamó “earth-body”, combinación del Body Art, el Land Art y la Performance.

La sangre es otro elemento muy presente en la obra de Mendieta, un elemento que, precísamente, da carnalidad y presencia a los cuerpos, pinta huellas y vestigios, es origen y es muerte. Con la sangre, con el paisaje, con su cuerpo, Mendieta denunciaba la violencia de género en particular y todos los tipos de violencia que se ejercen sobre los individuos a diario: violencia política, violencia verbal, violencia sonora, psicológica, a través de mecanismos socializados, a través de los medios de comunicación, las campañas publicitarias…

Una obra y una personalidad así es complicado que desaparezcan sin más, y de eso se encargan colectivos como las Guerrilla Girls o el Women’s Action Coalition que, en 1992, minutos antes de la inauguración en el Guggenheim Museum de una enorme exposición en la que estaba Carl André, reunieron a más de 500 personas que repartían fotocopias de la cara de la cubana mientras gritaban “Where is Ana Mendieta?”

En mayo de 2015, una historia similar ha ocurrido en la exposición de Carl André organizada por el museo Reina Sofía. Ocho mujeres entraron a las salas de la Casa de Velázquez, manchadas de sangre y en silencio hasta que una de ellas arrancó una letanía:

Ana Mendieta (bis)
No te veo aquí (bis)
¿dónde están tus obras? (bis)
¿dónde está tu cuerpo? (bis)
No te veo aquí ni allí ni allí (silencio)
Ana Mendieta (bis)
Tu muerte es un silencio (bis)
Nadie menciona tu nombre (bis)
¿de quién hablan aquí dentro? (Silencio)
Ana Mendita (bis)
Tu última palabra fue no
(todas) NO
Ana Mendieta (bis)
Nosotras aún estamos aquí
Nosotras también
No te vamos a olvidar
Nosotras tampoco
y frente a la injusticia
injusticia
y tu sangre
tu sangre
Usamos nuestros cuerpos en señal de protesta
protesta
y gritamos con tu cuerpo arrojado al vacío
NO. No no no no…

Que se siga uno preguntando siempre: ¿Quién es Ana Mendieta? Que siga la duda quemándonos los dedos. Que siga ese hueco ardiente en la historia de nuestro arte reciente. Que no se apague Mendieta.

Ángel Ganivet (Granada,1865- Riga, 1898)

CUBISMO

Antecedentes: pinturas del último período de Cézanne: tonos cálidos(ocres, beiges, anaranjados)/ tonos fríos (azul , verde, gris)


El cubismo propiamente dicho empieza en 1907 en París con Picasso: Las señoritas de Avignon



1ª etapa del cubismo: naturaleza muerta. Color restringido.

Georges Braque: otro iniciador del cubismo: Casas en el estanque

"Braque's works from the period 1917-20 are derived compositionally from synthetic cubism, the second phase of cubism, which began about 1914. Much flatter and more variegated in color, they include brightly dotted decorative passages. Around 1930-31, Braque moved to the coast of Normandy in France. As a result, he changed the subjects of his paintings; bathers, beach scenes, and seascapes were now his favorite themes. Stylistically, he became increasingly interested in ornamentation and patterned surfaces. During the late 1930s and early '40s, Braque was drawn to melancholy themes. From 1945, birds were a dominant subject. Braque's canvases done during the 1950s show a return to the brilliant colors of the Fauve period, as in the Louvre ceiling (1952-53) and the decoration for the villa at Saint Paul-de-Vence (1954). Active until the end of his life, Braque produced an oeuvre that includes sculpture, graphics, book illustration, and decorative art.

Georges Braque was the only artist ever to collaborate with Picasso as an equal. He admitted that they were "like climbers roped together, each pulling the other up". From 1907 they worked so closely together, exploring the planes and facets of the same subject matter, that some of their work appears almost identical. Although they developed their own natural autonomy as artists, they carried Cubism to another level that was brighter and more legible.

By 1929 however their innate differences were quite clear, for the two had long since parted ways. They had parted in 1914, for at the outbreak of WWI Braque entered the army as an infantry sergeant and served with distinction, being decorated twice in 1914 for bravery. In 1915 he suffered a serious head wound, which was followed by a trepanation, several months in the hospital, and a long period of convalescence at home at Sorgues. During this period he added to the sayings he had been in the habit of scribbling on the margins of drawings, and in 1917 he published a collection of these sayings called "Thoughts and Reflections on Painting."

New means, new subjects. . . . The aim is not to



reconstitute an anecdotal fact, but to constitute a



pictorial fact. . . . To work from nature is to

improvise. . . .



The senses deform, the mind forms. . . 



I love the rule that corrects emotion.



.

Cubismo Analítico (1910-1912): los elementos plasmados en el cuadro se descomponen en diversas formas geométeicas , superponiéndose de tal modo que resulta imposible identificar de qué se trata.




Picasso: Chica con mandolina                                  Picasso: retrato de Ambroise Vollard

Las investigaciones llevadas a cabo por Picasso y Braque fueron durante la época de 1909 a 1911, paralelas. En bastantes ocasiones estos dos artistas trabajaron juntos y a los dos se les debe uno de los hallazgos más importantes del arte del siglo XX: el collage. El hecho de integrar materiales diferentes en el seno de composicionescubistas determinó, en parte, que tanto Picasso como Braque optaran por cambiar el proceso analítico del cubismo inicial por otro de carácter sintético. CUBISMO SINTÉTICO: las pinturas, a pesar de presentar una composición claramente geométrica, permitiían que el espectador percibiera con facilidad una forma global identificable. El color toma gran importancia en las formas ya que éstas aparecen más grandes y decoradas. Contrastes entre diferentes texturas (a menudo con el collage)

Juan Gris: 1911 desarrolla un lenguaje propio

Fernand Léger- elementos con formas cilíndricas. etapa "mecanicista". Color: gris, blanco, contrastando con primarios. Apariencia metálica.

Cubismo ortodoxo:

Marcel Duchamp

Jacques Villon

Raymond Duchamp-Villon

Albert Gleizes

Jean Metzinger

André Lhote

Cubismo en la escultura:

Alexander Archipenko (técnica del assemblage) madera policromada

Constantin Brancusi - configuraciones de tipo ovoideo

ELLEN GALLAGHER (Born: December 16, 1965)

Gallagher was born on December 16, 1965 in Providence, Rhode Island. Referred to as African American,^[3] she is of biracial ethnicity; her father's heritage was from Cape Verde, in Western Africa (but he was born in the United States), and her mother's background was Caucasian Irish Catholic.^[4]

Gallagher studied writing at Oberlin College in Ohio^[4] (1982–84). Then she attended Studio 70 in Fort Thomas, Kentucky in 1989^[5] before earning a degree in fine arts from theSchool of the Museum of Fine Arts in Boston in 1992.^[4] Her art education further continued in 1993 at the Skowhegan School of Painting and Sculpture in Maine.

Ellen Gallagher. DeLuxe. 2004–05. Portfolio of 60 photogravure, etching, aquatint, and drypoints with lithography, screenprint, embossing, tattoo-machine engraving, laser cutting, and chine collé; and additions of plasticine, paper collage, enamel, varnish, gouache, pencil, oil, polymer, watercolor, pomade, velvet, glitter, crystals, foil paper, gold leaf, toy eyeballs, and imitation ice cubes, overall: 84 x 167" (213.4 x 424.2 cm); each: 13 x 10 1/2" (33 x 26.7 cm). Acquired through the generosity of The Friends of Education of The Museum of Modern Art and The Speyer Family Foundation, Inc. with additional support from the General Print Fund. © 2016 Ellen Gallagher and Two Palms Press

Biting, humorous, and poignant, Ellen Gallagher’s DeLuxe is a deft commentary on race, racism, and identity, especially African and African American identity. To make this work, the artist drew from her collection of vintage magazines geared towards black audiences, including Sepia, Our World, and Ebony. She isolated 60 pages from these publications, focusing largely on advertisements for cosmetic products ranging from wigs to acne treatments to skin-bleaching creams. Using historical and contemporary printmaking techniques and a riot of materials—like velvet, toy ice cubes, and googly eyes—she altered the pages, emphasizing the messages of beauty, success, and self-worth they convey. She then individually framed the pages and arranged them into a grid, brimming with materials and detailed imagery. Gallagher has described this piece as being “about identity in the most open sense of that word. No matter how uniform or how altered, it just refuses to be stamped out.”

Gallagher juega a transformar imágenes extraídas de ámbitos distintos como la literatura, la música, la ciencia ficción, la publicidad y la historia natural, como en el caso de la serie  wig-map grid collages, doppia Naturale, POMPA-Bang, yeXelento, donde la artista se adueña de la publicidad de productos de belleza de las revistas Ebony, Our World y Black Stars, todas publicidades que han favorecido una belleza negra a través del uso de pelucas y arreglos varios que la artistas ha recontextualizado creando collage con elementos afros y plastilina.
Gallagher comenta a propósito de esta serie: 'Las señoras con peluca son fugitivas, conscriptas con peluca provenientes de otra época, liberadas de las revistas "racistas" del pasado. Una vez más, las he transformado, aquí, sobre las mismas páginas que una vez las tenían prisioneras".

RINEKE DIJKSTRA.

Known for her psychologically rich portraits, Rineke Dijkstra was photographing Bosnian refugee children at an asylum center in the Netherlands, where she encountered and photographed six-year-old Almerisa Sehric. Revisiting this photograph two years later, Dijkstra was struck by its power. She sought out Almerisa and her family, who were by then living in their own apartment. And so began a sustained portrait series, for which Dijkstra photographs Almerisa every two years. “What you see in this series is…how she develops from a child from a foreign country into a Dutch young woman,” describes Dijkstra. “The chair represents my life […],” says Almerisa, referring to the increasingly solid chairs in which she is seated in every picture. “When I came to the Netherlands it was…unstable like the plastic chair, and now I’m sitting on a wooden chair with more stability, with my feet on the ground and holding my first-born child.”

-MoMa 

Dijkstra concentrates on single portraits, and usually works in series, looking at groups such as adolescents, clubbers, and soldiers, from the Beach Portraits of 1992 and on, to the video installation Buzzclub/Mysteryworld (1996-1997), Tiergarten Series (1998-2000), Israeli soldiers (1999-2000), and the single-subject portraits in serial transition: Almerisa (1994-2005), Shany (2001-2003),Olivier (2000-2003), and Park Portraits (2005-2006).^[3] Her subjects are often shown standing, facing the camera, against a minimal background. This compositional style is perhaps most notable in her beach portraits, which generally feature one or more adolescents against a seascape.^[4] This style is again seen in her studies of women who have just given birth.

Dijkstra dates her artistic awakening to a 1991 self-portrait. Taken with a 4-by-5-inch camera after she had emerged from a swimming pool — therapy to recover from a bicycle accident — it presents her in a state of near-collapse.Commissioned by a Dutch newspaper to make photographs based on the notion of summertime, she then took photographs of adolescent bathers.^[6] This project resulted in Beach Portraits (1992–94), a series of full-length, nearly life-size color photographs of teenagers and slightly younger children taken at ocean’s edge in the United States, Poland, Britain, Ukraine, and Croatia. The series brought her to international prominence after it was exhibited in 1997 in the annual show of new photography at the Museum of Modern Art in New YorK,.in 1999, the museum showed Odessa, Ukraine, August 4, 1993, a color photograph of a teenage boy on a beach, next to Cézanne's Male Bather (1885-1887).

Dijkstra's works are held in numerous museum collections, including the Tate, London,;^[24] the Museum of Modern Art, New York.,^[25] the Metropolitan Museum of Art, New York; the Guggenheim Museum, New York; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo NY; the Los Angeles County Museum of Art; the Museum of Contemporary Art, Chicago; the Art Institute of Chicago; the San Francisco Museum of Modern Art; the Walker Art Center, Minneapolis; the Miami Art Museum; the Harn Museum of Art at the University of Florida, Gainesville; the Museum of Fine Arts, Boston; Museo Cantonale d'Arte of Lugano; the Art Museum, Princeton University, Princeton, N.J.; and the Baltimore Museum of Art.

-wikipedia